大的公共博物馆在18 世纪开始兴起，最著名的是1759 年的大英博物馆和1793 年的卢浮宫。这些机构在很大程度上是由私人收藏发展而来的，在私人收藏中，艺术品以密集、对称的排列方式展示，鉴赏家认为这样可以更好地比较风格和流派。他们也受到了巴黎沙龙的影响，那里空间墙上挤满了作品，甚至地板和天花板上也有作品。这些大型公共空间的兴起，成为19 世纪绘画的一个重要部分，当时的艺术家们也被这些新的公共空间吸引。
慢慢的，人们认识到拥挤的墙壁妨碍了个人艺术作品的正确欣赏。TuftsUniversity 的艺术史教授Andrew McClellan 称：“ 即使在十九世纪中旬，人们也普遍认识到博物馆应该将艺术品隔开挂在墙壁上，以避免过度拥挤，提高参观的质量。” 正如英国经济学家William Stanley Jevons 在一篇文章中所说的那样，“ 如此密集的展示所产生的一般精神状态是困惑，对作品的印象很模糊，甚至还脚疼头疼。”
后来，伦敦的国家画廊National Gallery 开始在19 世纪中期进行图片放置实验，而不是强迫游客伸长脖子或蹲下来看展览，导演Charles Eastlake 开始把作品挂在眼睛的水平上。艺术史学家夏洛特· 克朗克Charlotte Klonk 在泰特美术馆的一次采访中指出：“ 这导致美术馆的墙壁突然变得更空，展览馆墙壁的颜色变得重要起来。”
第一次，墙的颜色被明确地讨论了。
因此，根据感官生理学研究，Eastlake 用红色取代了早期的灰绿色色调。Klonk 称：“ 根据这项研究，墙壁的颜色，加上金色框架和主要较冷颜色的画作本身的相互作用，在观看者的视觉体验中产生了和谐的效果。”
但这些都是小规模的变化，更广泛的改变受到一些因素的限制: 首先，博物馆在最初建造时没有考虑存放的问题，这意味着除了墙壁之外，没有地方放置艺术品。然后，选择谁来负责决定哪些作品仍然悬而未决？职业策展人在十九世纪不存在；画廊内过度拥挤的问题导致了在二十世纪初产生了这项工作岗位。
虽然这些问题在欧洲首次出现，但在世纪之交，这些问题的解决方案落到了美国博物馆的肩上。1909 ，波士顿美术馆搬进了一个新的粗野建筑风格的空间，它只展出最重要的艺术品，而较小的艺术品存放在只有学者才能进入的地下室。这些画廊光线充足，规模宏大。虽然画作仍以对称的方式堆叠在一起，但美术馆仅限于两排，而不是从地板到天花板的展示。每个工作都有空间呼吸，与其他作品隔开一道空白之处。
除了选择哪些作品被展览，哪些放在地下室之外，二十世纪初还有很多有趣的讨论，比如讨论博物馆内应该提高哪些条件来提高欣赏，特别是照明，以及墙壁上的作品的摆放，这些都是为了达到最成功的整体显示方式。
BostonMFA 秘书Benjamin IvesGilman 在1918 发表了第一个博物馆的实证研究。他有很多建议来对抗他所说的“ 博物馆疲劳” ，包括改变陈列方式，防止参观者蹲下或弯腰看清楚作品。他还建议避免使用“ 在许多新博物馆中发现的各种各样的墙壁颜色” ，而应使用统一的浅灰色、棕色或暗黄色。
尽管美国的博物馆成为了新展览方法的试验场，但它们不是唯一的试验场所。在德国，白色逐渐成为画廊认可的墙面颜色。对一些人来说，它唤起了当时流行的包豪斯风格的室内设计。对于其他人来说，它是一个中立的背景，使得观众在不同作品之间的情绪转换变得更容易，这种颜色在二十世纪的博物馆中变得越来越重要。
直到20 世纪30 年代第三帝国（纳粹）统治的德国，白色才成为德国画廊墙壁的标准颜色。在英国和法国，白色在二战后成为博物馆的主导墙面颜色，所以人们普遍认为这是纳粹的发明。
所以今天我们在美术馆看到的最常见的白色墙壁，也是经历了各种发展后才形成的。
北京南岸九号艺术馆效果图
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